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滚石小评07
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滚石小评07

但《滚石》已经不是《滚石》了。

但小评还是小评。

顶搂的马戏团
蒂米重访零陵路93号
出品:骡子唱片
顶马来北京演出的时候,我和武子以给他们暖场。为此我专门买了一台角磨机。
那是第一次听到这张专辑里的作品。顶马玩朋克,真的,是真的写歌排练演出,OIOIOI地叫。大家都爽翻了。了解顶马的人都知道他们的毒辣和实验,那毒辣是彻底的无耻的嘲弄,那实验是开心的恶搞的释放。中国就这么一个顶马,现在他们还没有骂够上海人,也没有玩够实验艺术,又决心得罪更多的人例如朋克和女记者和菲律宾人,他们和谁都无冤无仇但是他们来了……
用上海话骂上海人,用朋克乐讽刺朋克,用自己的歌词颠覆自己(《撒旦啊,撒旦》),充满了光辉的脏话、热情的riff、纯洁的侮辱,这是一张貌似疯狂但又让人喜悦安详的唱片。且不说他们开发方言朋克的才华,也不说陆晨喷射着汗水和精液的嚎叫,单说模仿和学习,音乐上已经深得二手朋克的精华——所谓二手当然是指,old school也罢ska也罢西海岸也罢这些作品全都是从中国同行那里抄来的。是的,没有一个和弦是他们自己的,没有一个桥段不是经典的,没有一声嚎叫找不到出处,而这一切顺理成章,比原来的更好更快活。
但最高级之处,仍然是顶马的策略,和对这策略的完全执行。无论如何这是一个以前和朋克没有半点关系的实验的、迷幻的、即兴的、民谣的、前卫的音乐组织,他们突然投入到这个决不前卫也不艺术的风格上来,并且是用全身心的快乐来享受演奏。戏仿朋克谓之颠覆,戏仿中假戏真做谓之本色,顶马朋克事件不亚于马修·巴尼亲自演奏重金属(当然他从来都是请乐手演奏),应当视为当代艺术背景下的革命行动,而不是什么风格转型之类的音乐路线。
角磨机至今也只用了一次,火花和雪亮的噪音伴着顶马最后一首歌飞溅,今天的中国乐坛,也只有他们配得上这颠扑不破的欢乐。

李剑鸿
时间简史
出品:Post-Concrete
李剑鸿最近访日演出,成为第一个在日本前卫摇滚/噪音界立足的中国艺人;他和黄锦的D!O!D!O!D!组合,也在著名的PSF再版专辑《Ghost Temple》,两国传统中的神秘、迷幻文化,在当代地下音乐脉络中再度沟通了起来。
这张《时间简史》和李剑鸿的多数作品一样,一次即兴录音而成。两首吉他噪音。第一首以他近来喜欢的高频段噪音开始,高压且不安,但逐渐转向弥漫的大颗粒,哗啦哗啦,不经意间将紧张的脑神经催眠;接下来如入无人之境,一路上用重复、循环的手法生产高浓度的精神药物,以拾音器附近的快速碎拨制造密集的尖锐噪音,22分钟后手起刀落的急停,那狂喜的声音尤在脑间回荡。
第2首就更爽了。开头6分钟极少极简的德-日-韩式自由即兴,声音和寂静共同滋长,好象灰野敬二、Tetuzi Akiyama和Janson Kain的声学神秘主义。正在此幽深境界中参悟的人,却突然被大音量持续快速的噪音裹挟,别说周遭那个静谧从容的世界,就是自己也都被瞬间消灭,无影无踪。比之前一曲的循环反复,这次更是长驱直入的驰骋,低频的护佑让心灵安定,消长的大片颗粒美仑美奂。经过了噪音和寂静的洗礼之后,是事事无碍的境界,李剑鸿也消失在他的演奏中,当他在31分钟处急停下来,这一切已经真实得如同幻觉。

BaiTian
Transit
出品:Lona Records
音景(soundscape)已经不是学院派的旧貌,年轻人未必还愿意讲究电脑调变、原音保留以及田园叙事之类的规矩,噪音的、混合的、抽象的种种做法已经破坏了音景音乐的传统。或者,也可以说音景也在被滥用的过程中,附身于其他的形体当中了。
成都的大学生白天,是香港Lona唱片进一步向内地探寻所得。他这张《转换》,总计20分钟,前14分钟都还是田野录音的流水鸟鸣伴随ambient的暧昧loop、朦胧长音。就在听得舒服,浑然忘记音乐的某个瞬间,真实与虚幻的平衡被打破,幽暗的抽象声音潜流升起,流水鸟鸣退去,好象物质世界里的肉体的人用大脑联机以精神骇入了数字世界(参见电影《Nirvana》、《攻壳机动队II》以及小说《神经浪游者》)。流动的是雾状的中低频;漂流的是半透明的颗粒之纱;噼啪做响的正弦波高频以微弱音量闪烁又消失,又闪烁又消失;其间飘忽不定的貌似旋律的玩意,在调性上勾引着人性。。这是用软件处理后的田野录音,是物质世界被转换后的真实模样。
白天的风格从一开始就确凿坚定,那是细腻的细节、绵里藏针的谦和、袖里乾坤的慢,在电子原音的声音本体和环境音乐的传统美感之间,他毫不犹豫地做了折衷主义者。在年轻一代的数字声音创作者中,他的美有一种难得的深意。

V.A.

出品:宝藏岩泡茶照相馆
《湖》的副标题是:趋近一段跨文化的对话。副标题下面的小标题是:澳洲与台湾摄影、声音、文字新作。其中包含了1个展览、27同样的个木盒(内装摄影作品)、1本画册。参与者包括澳大利亚和台湾各12名摄影家、9位作家和8位声音艺术家。策展人是台湾艺术家叶伟立。
8位声音艺术家使用了随机软件创作、传统电子乐技术、硬件噪音、田野录音、人声拼贴、传统前卫概念等等不同手法,各有千秋,展示出强大阵容背后的富饶创造力。开篇是克劳斯·布庐的《爱之湖》,以微弱女声、微弱杂音、微弱节拍在歌曲形式下架构而起,欲言又止的释放,百转千回的含蓄。随后DINO的硬件噪音以不轻不重的高频贯穿始终,转啊转的噪音盘旋着,轻巧的低频点缀一二,其中自有古意和诗篇,美仑美“幻”,又自有丰富的概念/观念背景。
仅开头两首,已经让人叹为观止。其后林其蔚貌似达达或激浪的任性,却以Alvin Lucier式的深思熟虑呈现了声音本体——其实不过是“在房间里反复诵念‘湖’一字,直到那个前所未见的‘湖’在眼前闪烁。”真正自称是达达信徒的,其实是数字声音艺术家Pei,她随处泼溅的声音以混沌的秩序闪烁着灵光,听来并无数字的非人感觉,却又决无人性的逻辑和习惯。罐子(杨宗闵)深不见底的雷声水声和噪声,蔡安智随性而包罗万象而虚实莫辨的人声偷录,Claudine Rouhaud听不懂的学术性,最接近主流电子音乐的罗颂策又是最慢最轻的模糊氛围……这个合辑除了主题统一和品质上乘之外,8件作品牵连出了繁复的音乐/艺术背景,这水面下的冰山,是耳朵和大脑都可以满足的盛宴。

V.A.
什么是现代?革命?样板?
出品:DBD School/523 Studio
上回是蒙古民歌,这次是革命样板戏,丰江舟和乌尔善策划的breackcore re-mix计划,果然是既老派又冒险,或曰惟有老派、革命、朋克才敢这样冒险。
也许你要说,在西方,breackcore已经是电子乐和地下舞厅亚文化中的流行乐,何险之有?当然,如此中国、如此波普和符号化的主题,难道还有其他人敢碰?“这一切都发生过成为历史,安静的沉淀下来,继承下来,成为奇特记忆和引以为自豪的传统一部分。”丰江舟如是说。但老外和年轻人难免会被想象左右,好在混音更多的是游戏,姿态只在集体的表达之中。基于这种音乐本身的暴力热情,革命被置换为安全的狂欢,所以必须混,必须重新编码,必须在语言而不是姿态上创造,游戏才成其为游戏,或曰对得起样板戏当年的创造。
音无非是混,猛烈的碎拍、生硬的单声道音色、停顿、扭曲、打夯或跳舞,再加上原有的唱腔和吹打,想也想得到那些手法——因此就更冒险。丰江舟本人的纯熟,成功控制情绪又传达出他一贯的高智商朋克风骨,正如标题所示:革命智取。这种快感,在第2张CD中渐渐升起,才算没有被单调的节拍刺激给腻住。在一种风格已经胜利的情况下,这种集体宣言,或许缩减成单张CD,反而更醒目和过瘾。
523studio.vicp.net可以下载。未必免费才够革命,但朋克总要有天下为公的心,才配得上现代、革命、样板。赞一个!

Fathmount
6-String Renderings
出品:self promo
喜欢Loren Mazzacane Connors的人未必都会喜欢所谓的抽象吉他,因为乱弹琴很容易,慢悠悠弄点延时、混响,再把反馈做到一分钟一个那么玄。反过来说,越是抽象越是没有规矩可循,也就越难。起承转合似乎就那么几种路数,高潮无非是噪音叠加,凭什么你就与众不同?
香港的年轻吉他手Fathmount偏偏是此道中人。他的一系列唱片,题为6-String Renderings 1、2、3,都是吉他做的氛围和情境。碎拨算一个,幽暗的混响和反馈算一个,偶尔爆裂开来的噪音算一个,三个他,在即兴中互相找,结伴同行。所谓行,就是演奏的演进,而Fathmount选择了慢,也选择了颗粒感、刮擦和张力,并且很妙地用了小提琴似的技巧,而且总能沉得住气,一点一点改变着气氛。当他在第三张里甩开了要噪起来的时候,就显得不那么自如;而且层叠起来的时候,立体感也不够。所以他还是慢一点好,至少他和我们一样,慢慢地就被紧张感带走,传递出焦虑和压力,在释放之前收手,退出。这算不上超越,但已经是忠实。香港地下音乐,从Huh?!到Multiplex到刘以达到今天的新生代,好象都擅长传递脆弱潮湿的情绪,其实这一点也不抽象,倒是很具体——电流循环,精神不灭,其中自有专属于香港的宝藏。
当Fathmount开始融合氛围和无调的即兴,我们知道,他开始挑战自己了。这里面有些还不属于他的力量和快,有些多余的慢和重复,等等。但归根结底,这是我听到的第二个华人在研究噪音吉他,他不是李剑鸿,但他很认真地在找自己,多好啊。

钟敏杰、林志英
悬浮景观
出品:Stumble + Jiother Production
《悬浮景观》是我的2006“十大”之一。它不是音乐也不是电脑声音硬件噪音人声实验等等等等人为的创作,它只是两位广州声音艺术家的田野录音,确切的说,是以各种人声实景为限的城市音景(urban soundscape),以广州为主,也包括在深圳、北京、上海、清远的采集。
一套双张,多数用你录音我剪辑我录音你剪辑的方式加工。与其说这是一种合作,不如说是一种交流和对话,在剪辑的过程中,体验对方曾经体验到的东西,再盖上自己的小小的印章。他们的合作,在观念和行动上体现着,一致,并将各自的性格融入,产生更大的合力——这在其他作品中体现的更清楚,例如伦敦“巴特西发电站”展览中,他们那首有巨长标题的“We bring a lion and a tiger to Battersea, put them at both sides of the entrance, please treat them well, every one of you, every single moment, every second, past, now, and forever…”(我们为巴特西带来一狮一虎,把它们放在入口两侧,请你们每个人都好好款待,每时每刻,过去,现在,未来……)。两个人以主动的聆听来对待录音艺术,探寻、选择,按下录音键的手指后面是清晰、完整的艺术观念。普通大众的声音,他们的口音,他们的口语,他们错乱的语法和用词,他们的兴奋和无意识,像没有闸的自行车一样冲向双耳。妓女和流民的社会学,公共空间的精神分析,街头小贩的口头文学,这一切有血有肉,历历在耳。
但比“意义”更绝的,是他们的风格。在声音的海洋里,选择就是艺术。他们,尤其是钟敏杰选择的一些非人声的声音,莫辨其踪,晕头转向;一些滔滔不绝的倾诉,既不能确认说话人的身份,也不知道他在说什么。市井像百幕大一样埋藏着人和城市的能量,这两位将它们释放出来,两张唱片,恰如在油田上钻出的两口井。

钟敏杰
眠白
出品:Stumble Records
《眠白》的英文标题是Sleeping White,不易解,只好凭直觉去体会文字的本意。作品也一样,电子原音,长音,几乎都是一轨两轨素材的即时调变,没有太多的意义可供辨识。
但到了第4首的2分多时,突然就无声了。过了很久,出来一点声音,又没了,像大风天窗缝里的响动。这样就静下去,好象声音也就扣了“眠”和“白”的题。下一首就像是擦桌子,静得很日常,很闲,以至于有时间去回忆刚才听到的那些电子原音手法——这个delay听起来很电啊,那个咕咚的声音莫不是拦腰切掉了中高频?还有第2首貌似雷声的开阔和简洁,为何不多些变化让我们爽起来……再往后层次果然多了起来,静的简单的时刻,还有空白,毕竟珍贵,眠也罢白也罢,声音把人从遐想中拉回来,然后再减下去,少下去,慢慢就进了新的境界。开头让人觉得随便的地方,现在成了一个整体必然的铺垫。这专辑到最后也还是简单的、袒露着浓重的插件味道,但又是精心策划了整体,用心控制着变化,很多应该是偶然得到的声音,在强弱变化中变成了必然。虽然没有明目张胆地对应“幽暗”、“曼妙”之类的美,但却有更深的美学意味。
相对于“钻研音频技术”,声音艺术家更喜欢说自己在“探索声音本体”,也就是说,不拿声音做文化的符号、感情的工具、通感的谜语。钟敏杰不爱说话,他的声音也不爱说话,也就是所谓“很本体”。让声音变难听当然很容易,而且也本体,但用简单的手法让声音变好听而且保持了本体,就很高明。55分钟的唱片里,每一个片段都像是随便拿插件渲染的素材,但它们连起来却生机勃勃,回味长到了嫌作品太短的程度。封套设计用了硫酸纸,没多余的说明,而厂牌的名字叫“结巴”,这含蓄的感觉,和声音很配。

徐程
061031
出品:豆腐唱片
豆腐唱片新开设的3寸CDR系列,是用现成的日本recosta水蓝书签装光盘制作的,上面只贴了自己印的封面和logo。手工美学、现成品利用、低成本DIY,等等,其中大有说法,但重点在于,这是周老板10年来一贯的风格。
上海噪音人、摄影师、平面设计师徐程的这一张,以创作日期为标题,封面是儿童画,也体现出他的地下噪音背景(作为噪音乐队“虐待护士”的成员)。不过在进入噪音场景之前,徐程已经活跃在其他领域——电脑音乐和当代艺术,所以这个作品并非暴烈lo-fi噪音,也不让人吃惊。这是一首16分钟的从头晕到尾的声音作品,也就是典型的电扇、空调、锅炉房或者配电箱所能发出的那种直到宇宙尽头也还存在的长音。基本可以分析如下:中间一个强硬的频率持续不变,下面一些松散的低频漂浮如雾,上面一个很“电”很金属质地的声音白亮地照耀着,另一个高频微弱,是精神分裂、鼻血横流的泛音,另一个滚动的中低频,另一个后来居上的摇摆的中高频……这真的不是在说音乐,而是在描述物理实验。但既然其实不是物理实验,就总有些讲究,例如5分钟后开始的貌似旋律的动静,究竟是另一台空调被遥控了,还是真有一个百转千回的旋律在暗自抒情,这大概值得投入去体会。那些微弱的变化一直在进行,因为没有明确的段落,又被几个持续的长音所控制,变化及其道理,就显得越来越深,似乎超出了徐程本人所能掌握的境界。听到后半段,眼前出现了不爱说笑的40岁欧洲半学院派笔记本艺术家的形象,暗黑的文艺空间,五六十个青年乖乖坐着听,旋律不见了,身体被抽象,大家严肃得快要哭出来,结尾时轻轻一转,如同它轻轻的来,声音落地,好,大家松了口气,出去喝咖啡……
作品很棒,正如他以往的水准。要是脱离作品来说徐程,他很高产,也是高手,只是这一张欧式声音的出现,更像是高级的练习,而并非他原有体系内的应有之作。

B6
B6 Box
出品:Bit Records
在卓越网买B6 Box捆绑羽泉,总共91块5。这有点拧巴,但又在情理之中。B6和他的同行在改变中国主流音乐,今天的拧巴,就是偷天换日的开始。
所谓改变,在于B6的音乐好听,传达正面情绪;有品质,谁听都不烦;有内容,可以细品。这种东西尽管陌生,但迟早无敌。对资深乐迷来说,B6 Box这6张小EP,和刚出道的B6相比要温暖许多、规矩许多,摇滚、实验、噪音的B6已经被80年代怀旧情绪和舞曲节拍的B6取代;知道分子则知道此后的B6,更是上海跳舞场景的改革者,同时是合成器流行乐队I-Go的组建者,偶尔也会接一些流行乐制作的案子……B6从实验出发,在主流中找到自己,这是两全其美的好事。
B6的怀旧,包含了他的个人记忆:阿童木、任天堂;也包含了作为乐手的集体记忆:欧洲合成器流行乐、disco和以后的舞曲;这些元素延伸到碎拍、IDM和实验性的电子小品,用温暖的舞曲节拍作为龙骨,用浪漫的感伤的天真的朦胧的合成器长音作为渲染,就成了独一无二的B6。年轻人更懂得怀旧,他们会去创造,一个用电子方式重塑的80年代中国童年,因此成为80年代生人的理想国。所有B6在实验电子阶段做过的事情,在这6张EP中都找得到一点应用,扩张了音乐的空间、层次和细节。而他纤尘不染的准确、坚定的结构能力和天才的旋律感,让他兼收并蓄,立地成佛。那张未发表作品集,像最后一次暴力青春的声明,烫手的情绪被总结、规划,干净地昭示了未来。而未来是虚拟的。

noiser luo
不好听
出品:树人唱片
树人唱片是桂林的第2个噪音厂牌,它的第一个出品就是厂牌老板noiser luo的首张专辑《不好听》。
比起乐音,噪音的种类和可能性要多到无限,更多的频率、更多的波形、更多的变化,更少的规则……所以在噪音的海洋里,要选择自己的那一份,就变成一件不容易的事情。
noiser luo的11首,是从黑沉沉的氛围噪音开始,到喇嘛念经结束,中间有第3曲第4曲暴力尖锐的噪音冲击,也有第7曲“修理收音机”的漫长沉闷。开始的《Intro》是简短的,像海潮或刮风,紧接着《A Girl Meets Alien》从铁器节奏开始,用合成器、人声调变展开科幻风景,但展而未开,只好干脆停住。再往下到了正题:不好听的,吵闹的,刺耳的高频噪音,凌乱而没有规则,也在发展之前停止。
第4曲当然开始好听——作为噪音的好听。但需要探讨的是,一个噪音专辑,或,一个噪音人,是否应该多样、如何多样。噪音这种极端的东西,尤其是在进入纯噪音、harsh noise之后,艺人的风格都在声音里面,谁的声音暖一点,谁又冷一点,谁喜欢转折,谁又偏爱反复,等等。《不好听》里面的特色元素,比如减速的人声和宗教元素,比如少量的节奏,都可以理直气壮地发展下去。像《Not Too Far》的音色,让人想起早期的Ronez和丰江舟,但节奏单调,并没有音乐性的趣味,这也未必是坏事。宗教元素没有对应到整体的气氛和节奏,这是又一个遗憾,如果开头有一阵神秘的风,结尾有一段喇嘛的唱,那么中间的噪音为什么没有这样的深度和空间?反过来说,如果中间是破坏,那么开头和结尾又有什么理由暗示着和谐?开头总是勇猛的,考验在后面。

李剑鸿、黄锦、积木、李铁桥
南京现场
出品:2pi Records
噪音吉他明星、暴力摇滚鼓手、声音艺术新秀、自由爵士乐手,4个自成一家的噪音制造者一起出现在南京,进行了一场高热的噪音演出。现场录音还收录了演出结束的片刻——带着隔夜啤酒气味的酒吧音乐,早已伴随噪音响起,岿然不动,无始无终。
唱片分4曲,第一曲4分多,密集的D!O!D!O!D!式的噪音摇滚,黄锦像爆炸的鞭炮铺子一样,李铁桥玩命地吹着短促的高音,另两位连成一片,基本是泥石流,而李剑鸿还忙着嚎叫了一阵子。第2曲就听到了积木的妙,坚决区别于吉他的硬件噪音,跳起来砸下去,哗啦横冲直撞,决无音乐的关联。第3曲比较长,12分多,萨克斯盘旋的气氛、吉他偶尔重复一下茁壮单音的气氛、快速集体转折的气氛,黑色低音滚动的气氛,都让人想起来Pain Killer,毕竟李铁桥是从John Zorn那里上了贼船的。只不过,这4位的能量并没有很精准地分配和控制,只是全凭直觉,玩命地冲。
第4曲就长很多,28分钟。自由即兴的感觉更浓,也慢了下来,空间不再塞满了噪音,而是让各自的声音发展、相遇,花了3分钟还多才开始汇成洪流。李剑鸿也因此腾出了手,给了些60年代的片段、黄锦也不玩命,可以专心用简单的动作配合一大段,再找机会爆发和统领。永不停息的李铁桥也有了被淹没或退让的段落,有点遗憾的是积木,他的声音不像乐器那么容易辨认,腾挪也不够自由,如果别人不礼让,他就只好混浊。这28分钟里,大家换着姿势,也轮流休息,听起来像一场自得其乐的4P下午茶。
其时李铁桥正值去国前夕,此时他又将要归来,总之中国只有一个自由爵士乐手,经过奥斯陆的洗礼,不知他已噪到了什么境界?

丰江舟
《四分律》
出品:盲聋哑学校俱乐部
最近丰江舟将近几年的作品重新整理,制作成3张CD和一张DVD,一起发行。3张CD,分别对应他最后的数码硬核时代(《七星子》)、从电子向声音的转型时代(《噪音有害健康》)和声音创作的开始(《四分律》)。
《四分律》里,多数来自多媒体装置、舞台剧配乐和影像作品配乐,全部完成于2004年。这些作品听起来完全没有朋克丰江舟或者电子丰江舟那样热烈,它们很少,很简单,悄悄地反复着,好象要给视觉让出空间来。和声音丰江舟的现场也不同,没有那么多渲染、层次、对照,只是老老实实把动机做下去,让它有一点发展,或者干脆不发展。《波频22-44》像是简单的波形游戏,有股合成器测试的味道;《Wen Sen》的Noto式正弦波极简舞曲,简到了只剩概念的地步;《Rup Rap》让人想起C. M. Von Hausswolff的“Leecn”,那种蹿着火烧电线胶皮味道的倔;《一根》、《二根》、《三根》是装置作品,的确有种声音装置特有的拧巴叫劲和反复,但它们的根又是音乐,只不过丰江舟放弃了音乐所能够带来的感动、气氛、情结。《大气》的趣味,来自flanger效果的晕眩,又在闪亮的trance效果中暴露出音乐的记忆。但终归这不是音乐,都不是。丰江舟在每一个差一点就要音乐起来的地方,谦虚地退了回去。
问题是他退了回去,视觉并没有上前来,概念也没有。所以我朋友说,还是《七星子》过瘾;又有人喜欢《噪音有害健康》,因为它绽放着试验、破坏的新鲜。但《四分律》是我选的,因为丰江舟退回去的时候,也给自己留出了更多的可能,这是一块路标。这几年,他的作品的确越来越不好听了,但那又怎样,这几年,我们都在吞着郁闷前进,像学童一样无知,像老虎一样饥饿。

Torturing Nurse
Second Floor Noiz
出品:Shasha Records
这是Torturing Nurse今年3月24日的现场录音,大声展咖喱秀预演,地点是上海设计店The Thing二楼的小空间。封面卡通是身为设计师的观众小龙花看完演出后连夜绘制的。封面设计是广州的老牌实验唱片设计单位Altscape。
总之很快,资源迅速整合,从筹办到演出到发行唱片,总共一个月。而且没花什么钱。独立就这点好处。而咖喱秀,是今年大声展的一个特色——发扬地下音乐传统,推广游击战术,用最低的成本在非专业空间做活动,也就是所谓的就地革命。
噪音当然很适合这种活动。Torturing Nurse的两个成员,一个玩老式唱机,一个玩用电脑机箱做成的噪音盒子,再加上喊。录音很糙,但是没关系,可以想象现场就够了。因为现场听起来很酷,就在30来个观众的包围中,他们玩命折腾,还嚎叫。那是些简单的起和停,粗野的声音横冲直撞,没有连绵的噪音墙、迷幻的长音或犀利的高频砍杀,而是重量级的大块声音迅速运动着,说停就停,左右冲突,新闻和旧唱片穿插起来,像柔软但是已被腐蚀的线索。这的确是一种折磨,而不是力量的召唤,在任何一个方向上,他们都不持久,但经过20分钟不同方向的冲击和凌虐,最终达成了一整套关于压抑、释放的调教术。如果噪音可以形象化为伤痕,那么这场演出就是所谓遍体鳞伤而又不伤及要害,众所周知,这是S/M的手法,中间还有不少可供喘息的空白,也就是说这是一种礼貌的折磨、专注的虐待。它的确很乱很糙,但声音没有碾到的空间也就因此而性感。
咖喱秀就是家里秀的意思,都是自己人,没什么不好意思的。

Zhrqsl
A Thief and A Gangster
出品:小声唱片
Zhrqsl是大同的周日升和福州的洪启乐。这是一次网络合作的记录。小声唱片是中国最谦虚和敏锐的声音厂牌。
做封套设计的Nowhereblue说,它听起来有螺旋上升的意志。而我的第一印象是Steve Roden的那堆灯泡声音又滚落到了电器修理铺里。那是一些似乎可以无限延伸下去的滚动的声音,大约来自手鼓,或在地上拖着罐子散步,总之有弹性,赖兮兮地没完没了。下面衬着小声的噪音,一小片,旋转着,白花花的光里夹杂着脏东西,铁砂,木屑,或什么粒子。一听就知道是硬件制造的声音,不规则,又在反复,不规则地反复,弄出一片小小的混沌,让人想起《银河铁道999》里面,可以用手捧着的小星系。声音和声音,简单的时候就是星球和星球的关系,而这一张,像人造卫星的星系,有的地方生了锈,还在永恒地转动,或者说滚动,不规则地。周日升和洪启乐各自的作品,都有共同的天然的拙,又都不像它这么含蓄和放射。大音量听则更有上升的力量。这大概是一种根本没要抒情而造成的抒情——它可以动人。
那些随意的变化,音高的升降、音色的改变、滚动的不同,延长了新鲜感,所以这种没完没了值得掐头,去尾,然后循环播放,一整天,让你的陋室有生命。

Klang Mutationen
Session Zero
出品:Laminal Records
Klang Mutationen是德语“声响变异”的意思,由吉隆坡“醒悟”唱片的老板(Tan Kok Hui)组建。除了他打鼓,其他编制还包括两位萨克斯/黑管演奏者和一把吉他。
自由即兴,一首16分钟,一首24分钟。第一首听起来很欧洲,萨克斯扭来扭去,吉他反馈的长音不断穿插,又不时制造出轰隆的动静,而鼓,因为录音的问题,听不太清楚,不过总之是和着这些声音忽快忽慢,起起落落着的。不过在快速的弹拨、转折之外,吉他最有特色的地方还是缓缓升起一个单音反馈,让管乐跟着,装饰着。总的来说这一通乱中,偶尔被镲片打醒的感觉,偶尔被吉他带跑的感觉,都比所谓自由即兴的自由更值得。第二曲要好听很多,毕竟它简单了很多,一个无限漫长的反馈就漂在那里,哪儿都不肯去,管乐左右地试探着,有时候停下来,鼓放开了耍,放开了停,一不小心大家闹了起来又安静了下来……它还是在那里。
在吉隆坡“街头巨响”音乐节看过他们的演出,每样乐器都是那么老实,而且段落之间,和第一曲一样有点散,但加起来就有源源不断的动机和动力。当时觉得鼓很爽,有能量,现在觉得吉他有定力,不迟疑。其实都是自由即兴,其实谁都不自由,在马来西亚,这样玩声音的人或许是为了创造自由的生活,或许不是,总之你听到萨克斯不懈地浮动的时候,就知道他们是有愿望、有追求的。

冯昊
声音
出品:大力丸
即兴演奏者冯昊2002年的声音日记。
冯昊是那种典型的杂交中国实验乐手,摇滚、金属、工业、即兴、电子、极简、噪音,他什么都玩过。这一张比较集中,是6首以日期为标题的小品。有点极简派的影子,但其实更像戏剧配乐,因为极简派的去向是内爆,而冯昊总是忍不住就喊了起来,有些没有必要的音量渐强,像人艺范儿的话剧一样绊住了他的脚。不过这专辑仍然是好听的,毕竟它简单,就是些loop,贝司的拍子,反复的貌似旋律的衬托,快要变成德式极简电子的模拟loop。这些循环和反复的小东西,其实能量无限。
冯昊的身份复杂,他的解决方案是:声音。用这个词来管理各种冲动和愿望。但事实上就像武权的《微波》一样,这个题目暴露出一厢情愿来,因为内容其实就是音乐,而不是声音,声音是态度,态度和现实有距离,这样就麻烦大了。毕竟我们在谈论声音的时候,是想要用更彻底的眼光来看世界,而不是掩盖内心的复杂。2002年的冯昊,差一点就做出了单纯的声音,但还是差了一点。

King Gong + 黄锦 - 大理东门·壹
出品:凸凹唱片
离开声音与玩具之后,黄锦来到杭州,和李剑鸿组建了著名的D!O!D!O!D!和Acidzen,一个是猛烈的前卫噪音摇滚,一个是猛烈的硬件噪音。
离开杭州之后,黄锦在成都老友欢庆的帮助下,在大理和法国人King Gong(也就是Laurent Jeanneau,罗洪·让诺)合作,进行了古城东门之上的演出。这张唱片就是其结果。罗洪擅长用简单的电子手法,制造绵长随意的杂音河流,其间少不了他更擅长的采样;黄锦不再猛烈,而是用硬件噪音填补着那些太法国、太电子的声音,他重复,省略,和罗洪一起没完没了起来。这当然是一种美德,因为我们都喜欢没完没了,如果它通往迷幻。
这是一次惊喜。它不可思议地偏离了两人原来的领地,铺垫着氛围,夹杂着采样,反复着节拍,错乱着噪音,并真的建立起一个极简派的模型——这也和罗洪的采样有关,他用了不少学院的音色,也通过采样重复了语声。噪音不是情绪宣泄的载体,而是语言本身,在结构中突显了自身。那些让人不知所措的歌声,粗糙、摇摆,和坚定的电/噪相比是那样弱小而不可抗拒,它们是来自田野录音还是黄锦的呓语?当有力的噪音节拍被冷艳的电子扰乱之际,我们知道两人开始了你来和我往;果然,长音崛起,风景骤变,前半段的试探变成了放开手脚的陶醉——不,不是高歌猛进,而是更老谋深算的敲击、曲径通幽的蜂鸣……我喜欢那模拟噪音的质感,以及散布其间的人类文明碎片。

麻沸散 - Absence
出品:Nojiji Records
与其说麻沸散是90年代日美噪音摇滚遗民,不如说他们是90年代中国地下文化仅存的硕果之一。从气质上看,他们是介于梁山和竹林的暴力散仙、迷幻农民,但看看他们的网站设计,参加一回“小雷音”的聚会,你又会发现麻沸散的行动已经介入当代,创造出一派天然的通县情境主义。
90年代已逝,愤怒、大声和反抗都失去了背景,但麻沸散延续了暴力和自由的语言。数年前,第2层皮转型为李剑鸿的纯粹噪音,兰州噪音协会缓慢失语,暗夜公爵暂离江湖,Junkyard裂变出折磨护士,反倒是激进摇滚集体拜拜之际,麻沸散不吝其旧,又与时俱进,集怪叫、噪音、密集、失真、噼里啪啦和迷离的长时间即兴于一身,终于炼出了今天的一枝独秀。
Absence是他们对主流——北京市区和中国摇滚——的缺席,是14首简短的器乐即兴。肾上腺素是其燃料,但也忽而恶搞片刻,在玩命前冲的当口滑翔起来,给战士一个迷幻的微笑。吉他贝司鼓萨克司和一支人声话筒,并无日本前辈精湛的技巧,反而更多些美国地下同行的天真;再遥想荷兰的EX,麻沸散大约是无力达到其精确的疯狂,但从这张专辑里喷出的,是性感,是总归懒散的欢腾。刚出道时的全力以赴,现在已经变成对急停、对话和小把戏的偏好,没完没了的迷幻,也缩短为几个句子,即兴二字已然升起在本能的混沌深渊之上,放射出风格的光芒。只需试听11、12两曲,今天的麻沸散在“散”上收获的宽广能量就一望可知,那种分明没有爵士渊源的自由爵士元素,似乎也在通县沾染了胡闹的彩色。一张好唱片足以说明,通县才是世界,90年代就是当代。

Zenlu - 定
出品:Zenlu
Zenlu的“定”是用数字方式完成的。低频、高频、杂音、氛围,再加上叮当的铃声采样。而封面的半透明、数字处理后的佛像,都和“定”这个概念有关。定是“三摩地”的翻译之一,可简述为“心住于一处”,这是很高的境界。
通常我们用这样的标题,不是为了证明已经获得这种境界,而是说,有此愿望。所以Zenlu的真正标题是“求定”。为何求定,听下去就会知道。专辑有6曲,4短两长,4短是家作,两长是现场。我喜欢后面的现场,尤其是第5曲和香港的李劲松合作,有呼应,并打开了空间,在时间轴上也相应有了结构和风景,也许是因为李劲松带来了空间感,对音色也做了足够的丰富和呼应吧。第6曲个人现场也不错,大,宽,有来有去。相反前4曲并不因为构思而精巧,倒是局限了些,像没有玩开的现场即兴。但从素材上说,纯的正弦波和铃声采样一样,有物理的纯和意境的纯,其慢、其深,都向着智慧超脱的方向而去。这和虎子的杂音电子有点类似,也就是用西方主流电子方式,反刍中国心。
但如果说虎子在空灵中失于机巧,那么Zenlu这前4曲,就是恰恰不定。当然他的现场也不定,并且长于动态、转移和意外;而作曲、设计的时候,不定就变成了犹豫,在简约和关于简约的符号之间,在深沉和关于深沉的语法之间,像是想要抛弃西方的形式,又不能果断选择方向。这种躁动,迟早会让Zenlu放弃现在喜欢和追求的“定”,而去寻找他自己的动,也许那时候再定下来,也不迟。

No One Pulse - Tale
出品:Lona Records
No One Pulse - Pathic
出品:小声唱片
两张一起写,是因为两张是一起做的。
No One Pulse,香港乐评人Sin:ned和他的朋友KWC的双笔记本组合。这两张3寸CDR,是一个概念下的双生儿,联合发表的方式,让我想起90年代的作家和诗人,那些牛掰且高产的,常常在同样厚度的双月刊上同时发表一个系列的不同部分。对,这是借用厂牌网络的背景,将作品背后的概念推到更深处。
Tale这张,比较含蓄一些,但又暗藏千头万绪的杀机,好象潜水的动物心情乖张,随时放电;Pathic这张,紧张且快速,整体却更统一,信息量大但不纷扰。都是用笔记本做的,不能分辨那条线索是谁,那些素材是谁。但我们可以知道,这两位喜欢铺设多条脉络,同时循环着向前奔走(或者不如说就地旋转)。低的声音慢,高的声音碎,仿佛有形,更高的不易辨别,更低的弥漫得无形,中间或许有像是旋律的东西,也循环着,但也变化着。就好象说,所有就地旋转的东西,都其实是在就地变化,别说河流,就是loop,也都没有可以重复的。
这两张,像我们常听的长音。但其实不是长音延伸,不是山河,不是旅行。对电脑来说,loop作为最基本的技术,也作为20世纪最基本的音乐概念,可以将音乐的时间感改写为无限,把时间当成空间来用。不loop的部分反倒成了帮衬——这两位是在用声音再现信息哲学,其中的变化和不变,相互对照,让人哪头都不敢错过,最后就错过了午饭。

Alok - C for Schubert
出品:Lona Records
Alok就是传说中的Lona唱片的老板。
这张小CDR只包含一曲,为舒伯特而做。事实上它是由舒伯特的即兴曲“Impromptus, Op. 90 No.1 Allegro Molto Moderato”启发而来,也采样了其中的片段,在潜沉微妙的低频中,唤醒了古人的吉光片羽。整个作品就像传说中的凌波微步,或曰挟泰山以超北海,在有无之间,大美嫣然。
没办法,必须得用到成语和文言文。如果说舒伯特已经是成语,而钢琴是文言文,那么Alok当然是在用当代语法说话。当代的语言中,有太多来自古时候的基因,有的已经变异,有的原封不动,却又在新的语境中散射出新的意义。开头似乎无声,需要凝神,然后低频若有若无,渗了进来。然后是一点点杂音,一点点采样,绕着采样,又伸出了新的声音,也是点到为止,雪泥鸿爪一般,大雁及其动作就在空无中存在下来。正弦波的低频,是当代的纯粹、抽象;乐器的声音,是古代和近代的提纯和律法;这两样原本无关,但其中杂音的破坏,就像局部的嫁接,和整体的重新编码。当代地说,这就是解构后的再生。古代地说,这就是万变中的不变,以意境统帅着超越时空的气。舒伯特的即兴曲,以意境取胜(抱歉,我google来的)。那些微弱的、含蓄的、环保的声音倏忽而来而去,在暗黑的空间里,在偶尔暴露的光和它的轨迹中,隐藏了缓慢而大的动态,也结构出声音之外的天地。这就像用暗黑创造出的光,反向的奇迹。
总之很美。

v.a. - 脑波交流
出品:脑波交流
在一个据说已然数字化了的时代,脑波交流是一种足够落后,以至于多数人忘记了使用方法的沟通方式。福州的墓碑雕刻者洪启乐选择了这种方式,他创建了一个小小的噪音厂牌,在语言失效的世界,展开更深更直接的交流。
第一个合辑包括22首作品,双CDR,粗糙的纸封套。除了两岸三地的噪音人,还有英国、波兰、德国、日本、韩国的同行——尽管,似乎国际化得没有道理,因为他们中的多数,似乎只是洪启乐本人能够用到的国际资源而已。但这个合辑的确是,正是洪启乐本人的交流网络,从杭州的李剑鸿,延伸到上海的折磨护士,然后是常来中国的日本、韩国组合10,还有台北/苏黎世的Pei,以及myspace上的国际噪音网络。这是一个随意的规划,没有主题,不限风格,随便地展现出当代噪音的方方面面。
脑波比较落后,但足够有效,而且它以其笨拙,先天地抵抗了噪音被主流社会收编的趋势。传统的硬件噪音、吉他噪音、数字/编程的噪音、混合了人声和玩具的噪音、暴力噪音、静态噪音、田野录音的噪音、非噪音人制作的噪音,从音叉的loop和反馈开始,到效果器和人声的野蛮撞击结束,这个合辑让人突然意识到,生活在中国各地的怪人,已经加入了一个多么庞大、无序、多变的新世界。这个世界本身的秩序,和噪音的语言一样,拒绝被管理和整理,并且,用雅克·阿塔利的观点来看,它从纯粹的自我娱乐出发,保证了在自身语法和经济网络中的独立,拯救了被复制和商业化摧毁的音乐/社会。

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